嗑到荼蘼（Enter the Void）
導演：Gaspar Noé
★★★★☆

該怎麼說呢，我從來從來沒有見過這樣的東西，即便在夢裡都沒有。

有人和我說過，死亡本身就是一場最High的嗑藥體驗。西藏宗教把介於死亡和投胎轉世間的過渡稱做Bardos，而導演Gaspar Noé為了表現出這種語言無法形容的靈魂出竅狀態，全片使用主觀鏡頭，以遊魂的視線，漂浮在霓虹閃爍的東京黑夜，讓過去和現在不同場景在眼前轉換交錯，攝影機因此被徹徹底底解放開來，但你卻只能牢牢釘在座位上，把所有畫面一股腦全部吸進去。那種壓迫著胸腔讓人無力抗拒的美麗、那些細部光線如脈搏般的震動，明暗間的對比、幾乎沒有剪接的轉場、生命如飛蛾撲火般的趨光性，都叫我目瞪口呆不能自己。這是一部你必須進電影院看的電影。

犬齒之家（Dogtooth）
導演：Giorgos Lanthimos
★★★★

沒有例外，封閉的環境、人工灌輸的恐懼、潛在的敵人和陰謀，永遠是凝聚和限制人類思想行為最好的方法（在政治上我們看過太多這類把戲），因此犬齒之家不只是一則關於家庭、教育、政治、種族的預言故事，而是創造一個荒謬但真實完整的平行宇宙，透過平靜和歪斜的鏡頭角度，讓我們看見那明亮空間、翠綠草坪、潔白衣服、僵直肢體、生硬對話和狂亂的舞蹈中，潛藏而且突然噴發開來的暴力，如同在天堂光線下閃亮的鮮紅血滴，目眩卻又叫人不禁戰慄。

男孩看見血地獄（Kinatay）
導演：Brillante Mendoza
★★★☆

惡魔般毫不妥協的作品，從清晨到另一個清晨，從繽紛嘈雜的白日，到深不見底的黑夜，導演Brillante Mendoza拖著我們和主角一起進入一趟無法回頭的旅程，昆汀說的沒錯，這部電影讓觀眾活生生的直接目擊強姦分屍命案現場。和他自己作品中溢滿藝術性、卡通化的人工謀殺完全不同，「男孩看見血地獄」利用自然光、車燈和室內燈呈現出大片大片黑暗畫面中灰白粗糙的粒子，彷彿有呼吸般鮮烈，直直撲面而來，緊抓著神經不放；而手提數位攝影機在箱型車以及謀殺地點的地下室內，一再不停的游動，建構並且提煉了這些封閉空間的窒息和絕望感，後作力特強，散場後仍久久不退。

自從Twitter這類微網誌風行後，電影相關評論開始大量移轉到上面流通，甚至有一些網站，專門收集Twitter上關於電影的熱度和評價。其實仔細想想，這個情勢似乎是必然的。我們平常走出戲院，第一件事必定是和旁人討論剛才的影片，而且對話往往僅一兩句，彼此表達確認完畢就罷。

而Twitter的輕薄機動，正中了這個生理需求，畢竟過長的評論，不但對沒看過片子的人來說毫無意義，裡面往往例行公事的故事大綱，更犯了許多人大忌。填鴨教室有鑑於此（其是就是懶），雖然不打算Twitter，但往後若看了片子，就直接在這裡弄個分數、然後幾句話打死吧。

我和我的小鬼們（Entre les murs）
導演：Laurent Cantet
★★★★

課堂上無數的師生來回，應該是歷來出現在電影中最好的Freestyle Rap Battle!!!

經典老爺車（Gran Torino）
導演：Clint Eastwood
★★★☆

Clint Eastwood爺爺在這裡嘗試和過去Dirty Harry追求個人絕對正義的保守形象和解，雖然依舊是以耶和華憤怒戰神的樣貌出現（連最後一句台詞都是I’ve got a light），隨時準備替不知死活的人們帶來洪水和閃電的懲罰，但畢竟已經78歲，面對身為人類的必死性，感覺到他非常在意自己將留下什麼Legacy（不過他一定不會承認的，因為這太不Man了啊）。Gran Torino是一部成熟的古典通俗劇（看看美國賣到翻的票房），內容雖然不見得完全讓人信服（尤其最後那個耶穌的姿勢），但其中人和人的交錯應對、層次上的推進，仍然讓我看得非常享受。只是最後有一個小小疑問，為什麼所有右翼法西斯英雄，都一定要用蝙蝠俠的聲音說話呢？

力挽狂瀾（The Wrestler）
導演：Darren Aronofsky
★★★☆

一個一輩子都在玩著男孩遊戲的男人，有著分不清虛幻現實，無可救藥的人生。其實無論職業是摔角手、好萊塢明星或者脫衣舞孃，都是靠著在舞台上賣肉來帶給大眾娛樂。而當肉體衰敗（I’m an old broken down piece of meat），只能在超級市場裡「賣肉」維生後，Mickey Rourke用這個角色和他自己的靈魂，為我們表演了一場幼稚、不理性但無可避免的受難劇（A Passion Play）。然而儘管只有一瞥，我確實被他最後掙扎站上角柱後，從眼眶中流下的那一行眼淚擊中。

橫山家之味（歩いても 歩いても）
導演：是枝裕和
★★★★

這幾年看過親子片中，最好的之一。影片描述橫山家在長子15週年忌日的一天相聚，以情節來說，發生事情的不多，但全片完美的呈現出「日常」，讓人物圍繞著生活物品和吃飯等平凡活動，發展對話、揭露關係。

親子，在一定年紀之後，彼此的位置，幾乎注定是某種最親近也最疏離的關係。像Kenneth R. Morefield在一篇影評中觀察到的：在父母心理，對孩子的認識從來不會隨著時間更新，例如片中阿部寬和妻子抱怨父親至今都還認為他著迷棒球；而孩子對父母何嘗不是？因為生活的斷裂，他們也失去了重新認識父母的機會，往往只能敷衍或者丟出例行性的承諾（例如一起去看足球賽），儘管彼此之間都知道實現的機會不大。

其實每個人一生，所謂日常，都包含了太多悔恨、缺憾和無可奈何。唯有隱誨忽略，或以另一種方式對抗，生活才能繼續下去，於是我們大概不需要靠「送行者」裡那種戲劇張力（澡堂歐巴桑突然去世，兒子幫遺棄自己的父親納棺）才能知道如何感動，就在這樣一個小小、微型的一日世界裡，已經可以感受自己人生層層包疊的複雜度。

是枝裕和在母親亡故後開始拍攝這部電影，整部片可能要傳達的只是很八股的「樹欲靜而風不止、子欲養而親不待」幾個字，然而他在這裡舉重若輕的辦到了。影片中並沒有直接出現死亡或刻意美化父母的角色，相反的，他讓父母各以缺陷但真實的形象出現，精細而且溫柔的重建了相處時光，即便瑣碎、有爭吵和無法化開的心結，但就如同片名「歩いても 歩いても」（Still Walking）的意思一樣，生命終究會以某種無法控制和預期的方式延續下去，一代一代。

而這部影片想告訴我們的是，在這並行的片刻，其實每一分鐘都值得珍惜。

紐約提喻 (Synecdoche, New York)
導演：Charlie Kaufman
★★★★☆

這絕對是我今年花最多時間思考的電影，「變腦」和「王牌冤家」編劇Charile Kaufman執導的第一部片，去年五月在坎城首映，自此好惡兩極的評價紛沓而來，喜歡的人認為是一部新經典，現代的八又二分之一和Annie Hall，痛恨者則20分鍾內魚貫般從首映會場摔門而出，甚至有一位影評說「假若放給十個人看，有八個會痛恨它、一個沒感覺、另一個則只有天知道為什麼會認為這片很屌。而我，我是那八人之一，我就是痛恨這片。」雖然偏激，但也確實替這部片貼上了最合適的警語：「無誠勿試」。

只因為它太個人、太深沈、太離奇、太雜亂，太美、也太憂傷。

看的過程中一股強烈的憂鬱如液體般將我完全包覆，但在其中卻又感到無比安心，那是觸碰、連結上生命核心的感受。像一部搖搖晃晃通往地獄的單向列車，你無力抵抗只能放任而行，讓一幕幕真相以各種詭異形式揭露在你眼前。許多人抱怨這部影片太做作，佈滿了看似複雜、聰明的隱喻和機關，並且不斷刻意挑戰正常觀影邏輯，時間、角色肆無忌憚的斷裂、錯亂，但對我來說，這是某種最高明藝術手段才能達到效果，藝術（art）本意就是透過人造手法(artificial）包裝、傳達情感。既然是包裝，那麼除了包裹其中的內容本身，包裝的技術、風格當然也成了藝術品成功與否的關鍵。Kaufman帶來的不是在行為、情節表層的感動，而是利用最接近夢境的超現實來傳達人生最無可逃避的現實 ─ 人孤獨的存在以及無可避免的死亡。

這世界只是一個投影（跟電影一樣），如同他後來所說：「這個世界視覺上並不存在。它只存在於我們大腦的演繹裡。」而我們在這個集體人造的世界中（如同主角想要在大倉庫中完整複製的城市）夢想、互動、犯錯，最後死亡，究竟是為了什麼？我不知道，我想Kaufman也不知道，只是他決定從一片空白的地圖上出發，對這個題目做永恆的探索和掙扎。

在接近片尾的一段排戲過程裡，一位牧師在喪禮上，搭配著撫慰人心的福音旋律，慷慨激昂進行了兩分多鍾關於生命悔恨的禱告，當他說到最後一句「Well, fuck everybody. Amen.」時，眾人將黑色雨傘撐開，鏡頭上拉，人造雨水透著燈光從灑水器中噴灑出來，在那一瞬間，有一種不可言喻的感動流過全身，而這種無可理解的感動，正是這部電影所能帶給我的最珍貴禮物，因為我知道，唯有無法用言語說明而存在於意識底層的，才可能是真實。

The Drones – Havilah
★★★☆

同樣是老搖滾形式上的沿用，有些聽起來就像是純炒復古冷飯的彆腳貨，有些則會讓你感到好像把這些基本要素都一併擦拭乾淨，帶往現代、未來。The Drones很明顯是屬於後者，濃烈、泥濘如沙礫般粗糙的吉他和有腐蝕性的主唱歌聲，搭配黑暗厭世的寓言歌詞，同樣來自澳洲大陸的他們，完整承接了Nick Cave and Bad Seeds 的靈魂，甚至有機會再往前推進一步。這是去年九月就發行的專輯，但今年二月才在美國上市，我就作弊把他放在這裡，對很多人來說可能一開始不好入耳，我自己聽了幾次下來發現後座力特強，還需要多一點時間，才會知道最後留下的味道是什麼。

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Morrissey – Years of Refusal
★★★

沒有什麼讓人驚喜的地方，完整而且緊密的標準Morrissey演出，如果不是他的作品，應該可以得到更高的評價，但從The Smith算起，已經邁入音樂生涯第25年的他，好像已經沒有什麼要說了，過去10幾年，最好的時候，就是像這張作品裡的幾首好歌，還是可以把你耳朵緊緊抓牢，但更多時候對聽過黃金時期作品的人來說，會有一種摻水感覺，這是西洋所有經典創作者的宿命嗎？跟運動員一樣，只能在最有創造力的某個年齡內綻放，之後漸漸變得無關緊要，例如Pavement的Stephen Malkmus，現在也只能一直不斷做出不難聽但了無新意的個人專輯，難道西洋音樂界裡沒有像高更一樣，年輕時相當平庸但到老年才徹底爆發的例子嗎？恩，我得再想想。

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The Pains of Being Pure at Heart – S/T
★★★

從第一首開始，我保證你會覺得曾經聽過裡面每一首曲子，他們就是這麼沒有原創性，但卻又這麼流暢好聽，以一種創造流行旋律的頂級手工藝，讓每首歌圓潤剔透，發出光澤。這大概是以前我們整個大學社團都會愛的公約數，從這些歌或許也可以找回失落時光的某些片段，但如果真有這種需求，對我們這些30歲的中年人來說，還是直接服用原品會更有效果，反觀如果對Jesus & Mary Chain或Belle & Sebastian還不熟悉，想嚐嚐兩者混合的陽光版，那麼The Pains of Being Pure at Heart 會是很好的開始。

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The Lonely Island – Incredibad
★★☆

相信大部分人都看過在網路上千萬人瀏覽的Jizz in my pants了，Incredibad是以網路搞笑影片起家，後來進軍Saturday Night Live的三人組合Lonely Island 的第一張正式專輯，雖然他們幽默必須聽得懂歌詞才會好笑，但光以音樂來說，做的也算到位(J-zone參與了節奏部分），裡面金曲除了已經有錄影帶的Jizz in my pants 和 I’m on a boat之外，最讚的還是Natalie Portman 主唸的 Natalie’s Rap，因為沒想到她的MC 居然相當夠勁，紮紮實實的甩出幾記重拳，套句裡面的歌詞：Natalie you are a bad ass biiiiiiiitch (hell yeah!)。

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與巴席爾跳華爾滋 (Waltz with Bashir)
導演：Ari Folman
★★★★

如果嘗試了幾次，都沒法用不說教方式把對這部片的想法寫出來，何不乾脆放棄？這中間也看了不少國外媒體評論，大多都是先來一段黎巴嫩戰爭背景簡介，以及描述長槍黨如何在以色列默許下對巴勒斯坦難民營進行報復性屠殺，再接著就開始形容用動畫拍戰爭紀錄片是多麼大膽的創舉，一舉抹平了紀錄片、劇情片和動畫片的堅壁分野；此外針對影片裡要討論的記憶/真實、選擇性遺忘、麻木、幻想、大屠殺，戰爭的荒謬等等也都照本宣科拿出來講一次，了無新意。

不過這不能怪他們，因為其實Waltz with Bashir要說的東西，沒什麼是之前別人沒說過的，他特別之處，也真的就是用動畫刻意在視覺上、意識上扭曲轉化原本應該非常生硬的記實報導，將真實經驗做抽象化藝術處理。這原本應該非常離奇的形式，套在要處理的內容上，卻是百分之百合身，而這種形式和內容的完全貼合，也正是觀看Waltz with Bashir最動人之處，甚至可以說，如果把形式剝除，這部電影的結構和內容都會弱化到沒有存在價值。

因此我就不廢話了，電影本來就是要體驗的，去看片子吧，我保證裡面總會有幾個讓你永遠深印在腦中的畫面，如果這部被過去記憶縈繞折磨的影片，有某一部份可以被你帶走，內化到未來的回憶裡，這遠比正經八百把戰爭片要控訴的主題一一重新討論要來得更有意義，不是嗎？

隨著棒球季將要開始，這個月開始雜事越來越多（其實都是正事啦），新專輯聽的相對少，不過又到月底，還是來簡單列一下這個月聽過不錯的專輯吧。

Zu – Carboniferous
★★★★

存在感非常強大的一張專輯，來自義大利羅馬的前衛搖滾樂隊Zu，成立已經超過10年，發行了10幾張專輯（慚愧我之前一張都未聽過）。最新專輯「Carboniferous」，名稱完全正中音樂風格，裡面貝斯和鼓始終不撓的往地心直搗，將埋藏遠古地層內的礦物一塊塊切割飛濺開來，黏稠的吉他和薩克斯風則攪拌出攝人金屬質地，整體音場產生的強烈威壓感，如同面對Felix Hernandez超過155公里下沈快速球，瘋狂而且毫無人性。小寶，我想你應該會愛這味吧！

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Mountains – Choral
★★★☆

嗡嗡環境音樂派的兩人組合Mountains，從中學時代彼此就認識了，前兩張專輯在自己創辦的廠牌Apestaartje發行，而Choral則是被獨立大廠Thrill Jockey簽下後的第一張專輯。整張專輯利用手風琴、合成器、空心吉他、田野錄音等各式發聲樂器，堆砌出美麗深邃的音樂風景，而這樣多層次並且繁複的作品，基本上是以接近現場表演的方式錄製下來的，後製效果添加極少。其中最讓人喜愛的曲子是Telescope，開頭漸進的空心吉他合弦，慢慢被一陣錄自亞利桑納州的暴風雨給沖淡，在由大雨築成的白色音牆內，長音不斷向前延伸，彷彿是出現在電影「Silent Light」裡的音樂，某種宗教性感受會不自主從內在浮現，讓你幾乎忘了呼吸。

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P.O.S. – Never Better
★★★

Hip-Hop和Hardcore Punk這兩種政治性最高的音樂類型又在這裡做了一次不錯融合。住在明尼蘇達的P.O.S是Nas和Fugazi影響下的孩子，從小自學吉他、貝斯、鼓和鍵盤等多種樂器，同時也具有濃厚的搖滾背景，擔任過好幾個龐克團鼓手，但以P.O.S.為名發表的專輯核心仍是完完整整的Hip-Hop音樂，只不過在節拍部分使用大量激烈、破碎的真實鼓件，讓音樂有更生猛的推動力。雖然Never Better離經典的距離還很遠，許多時候甚至可以感受到他的粗糙、不成熟和幼稚，但Hip-Hop和Hardcore Punk這種本來就幾乎完全屬於某個年紀的能量，需要的不正就是粗糙、不成熟和幼稚所伴隨而來的燿燿火光嗎？

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M. Ward – Hold Time
★★★

多年來量產和品質一直很穩定的M. Ward，就像一位在大聯盟每年可以提供200局工作量的三號先發投手（這篇棒球比喻還真多啊！），不怎麼讓人興奮，但也不會讓人失望。這張專輯一如往常以一種吟遊詩人的姿態，動人的融合了純美國式民謠、藍調、鄉村音樂，其實他和上個月發專輯的Andrew Bird很像，都流暢好聽，都沒什麼殺傷力，不同的是M. Ward更貼近自然鄉土，沒那麼精巧，但專輯裡幾首透出西岸陽光的夏日歌曲、在濕冷冬季的尾聲播放，心情還是會因飄向閒逸無事的夏日午後而不住雀躍起來啊。

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班傑明的奇幻旅程 (The Curious Case of Benjamin Button)
導演：David Fincher
★★☆

本來是打算看崖上的波妞，但因為到了電影院之後才發現想看的日語發音版本，當晚已經沒了，因此我在售票員大力推薦Yes Man，以及背後大概10公尺排隊人潮的夾擊下，莫名其妙的決定改看班傑明的奇幻旅程。

除了知道是David Fincher改編F. Scott Fitzgerald的短篇小說，和Brad Pitt倒著從老頭演到小孩之外，我幾乎是在對這部電影一無所知的情況下入坐的。然而隨著影片慢慢進行，一股惱火的情緒漸漸蔓延開來，因為這部電影也實在太像阿甘正傳了吧！（當時根本不知道編劇是同一人）

雷同之處有：

● 兩人同為生在美國南方，沒有父親的小孩，從小不會走路、並且沒人認為會有一個正常的人生。

● 有一個相信和支持他的媽媽，更重要的是，都會很講警世格言。

● 都是成長啟蒙故事（班傑明的前面三分之二），看似老成的人卻用男孩眼光冷靜的平視這個世界，接受生命中的偶然和命運。

● 都自小就遇上可愛無邪的真愛，長大後女孩搬到城市，身處花花世界中而不願接納主角。但在經歷變故後都回到了家鄉和主角身邊。

● 會有一個黑人朋友帶他認識和瞭解世界，並且該位朋友在之後都永遠的離去。

● 兩人都會從軍，並在其中領悟到一些人生道理，同時也都曾經跟一個瘋癲的酒鬼船長環遊世界。

● 淺白直接到近似低能的象徵，例如巧克力、時鍾，阿甘的羽毛、這裡的蜂鳥。

● 還有，兩部片的主角都超愛說旁白，影片也特別愛用當下最先進的特效來說平鋪直述的人生故事。

我後來還甚至在網路上找到一支將兩部片相同橋段並列播放的影片，相當驚聳。

話說回來，這部電影並非完全沒有可取之處，Ed Ulbrich團隊讓人驚嘆的視覺效果處理當然是其中之一，透過把Brad Pitt的臉貼在不同的人身體上演出（有52分鍾Brad Pitt本人根本不在其中，而是其他三位不同演員），明明白白告訴我們演員肉體存在的唯一功能，只在於讓我們投射對這個「人/ 明星」本身的認同而已，在現代電影世界裡，只要花錢什麼都可以被創造出來。

而Fincher在傑作Zodiac之後，選擇用這種方式和題材來做主題，應該也還禁得住我們小小的懷疑。很明顯在此他一反自己常態，企圖玩弄古典好萊塢把戲，重現一種美國獨有的華麗與庸俗(kitsch)風格，除了上述的阿甘類比以及依照歷史不同時期明星設計的造型外，片中甚至還加進了仿鐵達尼號的鏡頭，要不是他有一張看起來很想嚴肅說故事的臉，我一定會覺得是在惡搞。

這部電影所有重點都在皮象上，它把班傑明一生拉的扁平，平淡而且快速地掠過。沒任何事情不從主角外觀上顯露出來，也沒任何意涵沒透過演員或旁白講述出來，裡面依慣例摻加一些人工的感動或教化，例如時間和記憶的作用、孤獨的本質等，讓想要直接抓住某些東西的人，不至於一無所獲。

但仔細想想，有意或者無意，Fincher卻在這部片把自己放進了很不常見的兩難裡，對於喜歡看通俗片的人，可能會覺得這部影片太冷靜、平淡、沒有高潮或者更明白的敘事動力；而受不了好萊塢那套的觀眾，則會覺得陳舊、八股和不自然。對像他這樣一個創作者來說，我現在並沒有辦法判斷實際意圖，但和我們台灣同樣大規模處理人生主題的「一一」以及「童年往事」相比，他沒有一一那種在一段固定時間內，透過一個家庭不同年齡成員組合，交織出的驚人厚度和縱深；儘管同樣是透過成長和時代之間的關連來敘事，也沒有童年往事那種冷靜中隱藏著的真摯關照和同情（從沒看過自傳式影片可以像童年往事一樣和時代結合得這麼緊密卻又那麼疏離），而班傑明和這兩片，我清楚明白自己喜歡何者。

如果我是15歲在看阿甘正傳的年紀看到這片，必定會痛哭流涕大受啟發（畢竟當時我還幫更瞎的阿甘正傳寫了篇文情並茂的週記作文，真害臊）。但說到底這就只是一部標準的「得獎片」，而且以奧斯卡的標準來說，還是一部不差的得獎片，在日前公佈的入圍名單，班傑明果不其然大獲13項提名，比經典名片如大國民的九項和教父第二集的十一項提名都還要來得多，不過如果有似曾相識的感覺，這絕對不是你的問題，因為阿甘正傳不多不少也正是13項提名！！！

最後最後，關於這部片我還有一個小小的好奇和心願，既然都已經把Brad Pitt的臉貼在別人身上來演老人，何不也把他的臉貼在最後躺在Cate Blanchett懷中的嬰兒臉上呢？這樣我們就會有一個Brad Babe了耶，超可愛的！希望以後DVD版本可以考慮一下這個方式。

下面列出來的幾張專輯，許多是我前兩次聽過之後，沒什麼想法，在第一時間也比較刺激不到我的唱片。不代表他們不好，有些可能是音響實驗不討喜，需要多一點時間進入，而我耐心有限；有些則是類型本來就不在我雷達內，緣分不深。總之，這些算是某種程度上被我篩選下來的，但有興趣還是可以嘗試看看，尤其是三顆星的，說不定很多還是會對你胃口喔。


Tim Hecker – An Imaginary Country
★★★

這張唱片在評價上仍然有可能提高，Tim Hecker一直是進入21世紀後，在Ambient和Drone樂派中非常值得關注的一個角色，雖然這類音樂對很多人來說聽來聽去都差不多，但他藉由電腦程式製造出那片綿密、徘徊不去的白色音牆，還有不斷蔓延的想像風景，仍然叫更多人聽了之後就自此一頭栽入，永遠抽不了身啊。


Dälek – Gutter Tactics
★★★

實驗嘻哈，評價也有升高可能性，感覺得出音場和節拍上的用心，整張專輯受到ISIS或者Mono這種轟音搖滾樂團的強力影響，許多曲子甚至讓MC部分退到第二線，營造出含糊不清的末世情境和瀰漫著不祥預感的焦躁氛圍。如果聽膩了張牙舞爪的主流嘻哈音樂，或者好奇 Shoegazer加上Sludge Metal 對嘻哈節拍會產生什麼異變，Gutter Tactics會是今年地下嘻哈值得嘗試的第一彈。


Dakota Suite – The End of Trying
★★★

呃，很沈緩的一張專輯，簡約到我三次聽，每一次都打瞌睡，威力十分驚人。但其實細細進去，還是可以感受到其優美哀傷部分，這樣的專輯可能是慢燒型(Slow Burner)，但也有可能是真的無聊，如同前面所說，需要多一些時間。但假若本來就很喜歡Slowcore的話，還是可以找來自己試試看。

J. Tillman – Vacilando Territory Blues
★★★

當紅炸子雞Fleet Foxes的最新鼓手，從紐約輟學來到西雅圖之後，一度靠打工和賣血唯生（也太苦了吧，小白學著點），自己發行幾張CD-R專輯後，慢慢才有人注意到他。音樂風格類似Nike Drake那種傷情民謠，整體聽下來流暢順耳，製作、編曲、演唱也都很精細純熟，但於我並沒有太興奮的感覺，可能是還沒有旋律跳出來真正抓中我吧。


Bruce Springsteen – Working on a Dream
★★★

歐巴馬唱歐巴馬唱，歐巴馬唱完超級盃唱，在這個空檔中，超級大紅人Bruce Springsteen還順便發了一張新專輯。說真的，以他的水準，這是一張相當平庸，甚至有點糟糕的唱片，尤其是Queen of the Supermarket，Boss麻煩請解釋一下，這是什麼鬼歌啊！至於會有三顆星的主因只有一個，The Wrestler這首同名電影的主題曲（什麼，你說這是Bonus Track，不要計較那麼多好嗎？），對我來說光這首曲子就值一顆星了，裡面描述的那種落難英雄處境和受傷掙扎的硬漢心情，是男人都會流下眼淚的。


MV & EE With the Golden Road – Drone Trailer
★★★

媒體描述MV & EE是紐約的「新迷幻低傳真實驗搖滾樂團」（還真長），走的果然還真的是新迷幻低傳真實驗搖滾風（廢話），這也是一張聽起來紮實順暢的專輯，他們一如往常會在某些橋段飄開然後慢慢失去控制，像是嗑到壞藥的Neil Young，然而很多時候也一如往常並沒有太多真正驚喜，只能算中規中矩、不得不失吧。


William Elliott Whitmore – Animals in the Dark
★★★

跟我同年的另類鄉村歌手，但聲音大概比我蒼老30歲，有點像是被稀釋風乾過的Tom Waits。他之前三張評價很好的專輯慚愧都還沒聽過，但這也是一張有著慢燒潛力的作品，目前只在我的Player裡涮了不到五次，如果再給他一點時間，或許那個沙礫般粗糙的喉嚨和塗上Johnny Cash鄉野傳奇色彩的主題，會燉成一鍋好湯喔。

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排排算算發現這個月新專輯實在聽了不少（一月還是音樂發行淡季中的淡季啊！），因為東西剛出來很鮮，所以大多都快嚐一下，如果第一口沒興趣或沒感覺就只好先抱歉了，這填鴨教室說穿也只是我的小小筆記本，不用跟誰負什麼責任，而且寫太多字自己或別人都懶得讀，下面就簡單幾句幾字帶過大廓性的想法吧，會給評價純粹為了自己以後方便查看，絕對主觀，有異議的話也只能抱歉了。

評價採最原始最暴力的五星制，以歷史角度看，星星給得算很寬鬆，但如果和一般媒體比，好像又不怎麼大方，三顆半星已經非常值得一聽，總之，下面列出來的，都是能讓我這個月至少好好聽過五次以上的唱片，在這年代已經不易了。此外無奈該聽的材料實在太多，而且很多東西得慢慢沈下來才香，所以我絕對保留隨時更動評價的權利喔（也真的太不負責任了，哈哈哈）。最後再任性說明一下，這些評價幾乎都是在各大樂評見光之前就下的，本來是想每張都要搶在媒體前先公佈評價的，但後來覺得這也實在太幼稚了（其實是我自己不想受影響啦），而且時間太過瑣碎，還是這樣每月結算清爽吧。不過這種格式一樣保持隨時變動權利，因為這是我的Blog啊！而且也沒什麼人在看不是嗎？不要太計較比較好。



Animal Collective – Merriweather Post Pavilion
★★★★☆

上面這個封面可能太小了，來看一下大的，怎麼樣？圖畫自己會動吧？「動物集合」的音樂就和這圖一樣，是專門來Hack你大腦的。前面已經稍微提過，在這張迄今流行感最強同時也是集大成的作品中，層層疊疊波波襲來的是一次又一次聲響高潮，他們從60年代各類迷幻音樂裡萃取最精華的汁液，佐以電子器材的各類迴圈、節拍調配，誕生了這張新時代經典。附帶一題，其實其中兩位從小玩大的團員Avey Tare和Panda Bear，2000年那張Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished，雖然和後來「動物集合」方向差異不小，但因為那時還沒走遠，流行感更強，所以意外的非常好聽，可以想辦法去找找看。

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Antony & The Johnsons – The crying light
★★★★

關於這個聲音哀傷迷人的變裝胖子，前面也有一篇提過，就不多說。他的這張專輯於我來說總算擺脫之前矯揉印象，將聲音裡的纖細、脆弱，甚至散發出銀色光暈的來世特質，提升到了另一種高度。記住，這是只屬於你一個人的音樂喔，超過兩人以上聆聽，效果將減弱一半。

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Franz Ferdinand – Tonight Franz Ferdinand
★★★☆

該怎麼說呢，這算是我這個月最大的Guilty Pleasure吧？明明很討厭復古搖滾啊，他們第一張評價甚高的專輯也聽兩次就丟在一旁，這回怎麼糊裡糊塗一下子放了十幾次呢？只能說實在太流暢了，幾乎每首曲子都是一聽就被鉤中，對，就是俗擱有力啊！在潮濕沈悶的一月，或許我需要的就是這種東西。整張專輯咬合感很緊密，聽了心情很容易就高興起來，特別適合做討厭家事的時候播放。其實一直有偷偷考慮要給他4顆星的，繼續看他在我生活裡的表現吧（寫的時候又再聽了，有點停不下來）。

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Alela Diane – To Be Still
★★★☆

突然發現，Alela Diane這居然是這個月唯一的女性代表，真是不好意思。其實我對這個25歲的小姑娘認識很少，直到前年Rough Trade在英國幫她發行04年的The Pirate’s Gospel才意識到她的存在。音樂是很簡單的田園詩歌風格，清柔淡雅，真正突出的是她的歌聲和旋律，尤其是Every Path這首曲子，當她唱到Every Path has led me back to you時，簡直是心都要跳了出來，加上曼陀林在那裡叮叮咚咚的推波助瀾，搞什麼，不要隨便誘拐大哥哥啊。

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Andrew Bird – Noble Beast
★★★☆

很溫暖、人性化的一張流行唱片，青蔥蒼鬱，其實沒什麼了不起，但也很了不起，至少我紮紮實實的聽了快10次，畢竟成天坐在電腦前做事，前衛實驗的東西下去，情緒和節奏必然被打亂，這時Andrew Bird的好處就來了，他的音樂雖然有時人工感重了些，好似假山假水，但卻是精緻聰明異常，沒有負擔，但也完全沒有一般流行唱片的噁心油膩，完全配合工作需要，如果開個人工作室的話，去找一張來吧，別再老放Lounge或Downtempo了，聽多精氣神都會衰的。

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John Frusciante – The Empyrean
★★★☆

John Frusciante這個古怪拗口的名字你八成沒聽過，但是講到「嗆辣紅椒」的話大概不少人就要開始蹦蹦跳跳了。不過先別高興太早，這個18歲就頂替過世的Hillel Slovak，成為Red Hot Chili Peppers主奏吉他手的神童，如今已經將近不惑之年，而他的個人專輯，風格也一向和「嗆辣紅椒」搆不著邊。在90年代因為嚴重毒癮，有過幾次瀕死經驗後，他的專輯開始關注啟示或宗教性的主題，這次也不例外，人彷彿在大片吉他和獨特聲線雕刻過的山水峭壁間移動，身處穹廬天空下，不斷泛起一種遠古蒼茫的感覺，尤其是Enough of me和Central這兩首專輯中段曲子裡的吉他獨奏，幾乎要把你的魂靈片片刮落，任何喜歡吉他的人，這張專輯都該聽、也值得聽。

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